En su exitosa trayectoria tiene en su haber, películas como protagonista (”La Canción de Buenos Aires”, dirigida por Fernando Siro), telenovelas (junto a Andrea del Boca), teatro (con Luis Sandrini y Raúl Rossi) y comedias musicales (Sweet Charity, de Neil Seimon).

Actuó en el reconocido local de Bs. As. Caño 14, acompañado por Atilio Stampone junto a Aníbal Troilo, Roberto Goyeneche y Juan Carlos Copes.

Entre los años 1978 al 1988, graba seis discos de Tangos entre Emi y Polygram de Argentina.

Realizó recitales en el Teatro Cervantes, con la Orquesta Nacional del Tango, dirigida por Osvaldo Piro.

En 1986 viaja a los Estados Unidos y pasa gran parte del tiempo en el país del norte, comenzando una nueva etapa en su carrera artística. Durante su estada en la ciudad de New York, estudia con los mejores profesores de artística integral. Dos años mas tarde, viaja a Las Vegas, contratado como protagonista en una comedia musical: “Latin Quarter”, ganándose el reconocimiento de la prensa como el mejor cantante de musicales de la temporada.

En 1986 gana un famoso concurso de profesionales en la T.V. norteamericana: “Star Search”, por la popular cadena CBS, cantando una personal versión del tango “Nostalgias” en el idioma inglés.

Emprende proyectos como músico y compositor, produciendo discográficamente, artistas de diferentes estilos musicales, anglos e hispanos, como también bandas de sonido para películas norteamericanas, para la productora de Clint Eastwood.

Así decide producirse dos canciones, junto al prestigioso compositor Roberto Livi, para mostrar en las compañías una nueva faceta; la respuesta es inmediata: es contratado por la empresa “Sony Music” para grabar dos discos. Así, entre el año 1992 al 94, recibe dos discos de platino y tres de oro, en Argentina, Mexico, Colombia, Venezuela y Chile, por las ventas obtenidas; accediendo además a los primeros puestos de ventas y ejecución del Billboard Chart Latino en los Estados Unidos.

Desde hace unos años, se radicó nuevamente en la Argentina, con sus raíces intactas y “…con el corazón en el Tango”…, realizando varios shows en todo el país, un ciclo en el Teatro Presidente Alvear de la Avenida Corrientes en Bs.As. con su propio espectáculo, así como también en el reconocido Armenonville y el Pigalle de Recoleta.

Realizó cuatro giras exitosas por Japón, con su espectáculo acompañado por la orquesta del maestro José Colángelo.

Trabajó en dos temporadas junto al maestro Mariano Mores.

Realizó giras por todo latinoamerica y los Estados Unidos.

Acaba de realizar un espectacular en la Televisión Argentina, donde celebró sus treinta años con la música, junto a Jairo, Adriana Varela y Raul Lavie.

Ha lanzado recientemente su último trabajo discográfico, el octavo de su carrera; los arreglos y la dirección musical le pertenecen a Guillermo Fernandez, así como tambien la producción artística. El mismo cuenta con grandes músicos invitados, como: Osvaldo Berlingheri, Walter Ríos, Eladia Blázquez, José Colángelo, Néstor Marconi, Leopoldo Federico, y otros, recibiendo el premio “Gardel a la música 2002″, máximo galardón de la industria fonográfica, como mejor album de Tango.

Protagonizó la opereta junto a Alejandro Dolina: “Lo que me costó el amor de Laura”, con un éxito sin precedentes en la taquilla del Teatro Avenida y el nuevo Teatro Argentino de La Plata.

En el verano 2000/01 presentó su espectáculo “Ya vendrán tiempos mejores”, en el Teatro Auditorium de la ciudad de Mar del Plata, y en el Hotel Conrad de Punta del Este, junto a José Angel Trelles.

Cantó en un espectáculo junto al prestigioso bailarín Julio Bocca, en el Teatro Maipo de Buenos Aires, en un show: “Bocca Tango Maipo”, a sala llena durante cuatro semanas en los meses de Octubre y Noviembre del 2001.

Actualmente tiene el rol protagónico en la opereta “El romance del Romeo y la Julieta”,un maravilloso musical argentino, donde se cuenta el texto de Sheakespiare con tangos, coprotagonizado por Florencia Peña, con una puesta de Manuel Gonzalez Gil y Ruben Pires, convirtiéndose en el éxito teatral de la temporada 2002 en Buenos Aires, y nominado como actor protagónico en los dos premios mas importantes del Teatro Argentino (Nacional y periodístico, todavía no entregado).

Productor, músico, cantante y actor, con una intensa y exitosa carrera que lo respalda, Guillermo Fernández, es una de las figuras mas importante del tango actual.

En el año 2002 recorrió Francia actuando en la famosa ópera de Piazzolla y Ferrer “María de Buenos Aires”, cerrando la gira con dos conciertos en el Teatro Palais Chaillot en París.

Acaba de lanzar un Disco Compacto, producido y arreglado por él mismo, con orquesta Sinfónica, y canciones de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer, producción que ya cuenta con un importante airplay en la Argentina.

Ha actuado junto a figuras como Gidon Kremer, Cacho Tirao, Libertad Lamarque, Juan Carlos Copes y Ástor Piazzolla, con quien realizaría varias giras mundiales.

Actuó en los más prestigiosos escenarios del mundo; en 1986 se presentó en Broadway obteniendo cuatro nominaciones para el premio Tony, regresando 14 años más tarde para recibir una nueva nominación para dicho premio. Fue nombrado ciudadano ilustre de Los Ángeles (EE. UU.) y Tokio (Japón), y en Chubut, Bariloche, Mar del Plata y Rosario, en la Argentina.

Actuó en más de 30 obras de teatro; en televisión, en comedias musicales y telenovelas; en cine, en 17 largometrajes. Fue protagonista de obras como Hello Dolly y El hombre de la Mancha, en México, y Annie, Pippin y Zorba el griego, en Argentina. Además, fue protagonista de uno de los musicales argentinos más exitosos de los últimos tiempos, que se representó en todo el mundo: Tango Argentino, de los coreógrafos Claudio Segovia y Héctor Orezolli.

En la Argentina grabó con las más importantes orquestas como las de los maestros Héctor Varela, Héctor Stamponi, Ángel D’Agostino, Osvaldo Piro, Horacio Salgán y Osvaldo Fresedo, entre otros.

Estuvo casado con la también actriz, periodista y modelo Lidia Satragno, Pinky.

Fuente: Wikipedia

Eran los años declinantes de las orquestas típicas por varios motivos de índole muy diversa, -los inicios del rock and roll, los conflictos sindicales y políticos de los artistas, la falta de trabajo que obligaba achicar las formaciones, el estímulo al folclore que diera el regimen militar instaurado a partir del golpe de septiembre de 1955-, lo cierto es que, paulatinamente, la juventud se fue alejando del tango.

En ese contexto aparece la figura paradigmática de Julio Sosa y, con él, una nueva valoración del estilo del cantor de tangos. Ahora debía ser recio, de voz varonil y, preferiblemente, con un registro más grave y expresivo, la antípoda del baritono atenorado de los ‘40, que de la media voz había hecho un culto.

Es en este marco conceptual que debemos entender a los vocalistas surgidos en aquellos años y Enrique es un buen ejemplo de esta definición, por su estampa, su fraseo, el timbre de voz y su estilo interpretativo.

Nació en la ciudad de La Plata, a 60 kilómetros de la ciudad de Buenos Aires. Durante su adolescencia vivió una de las épocas más gloriosas del tango, pero paradójicamente, con apenas 14 años, comenzó su carrera artística cantando jazz, en la orquesta Dixieland, con el seudónimo Hugo Randall.

Pero el tango estaba en su corazón y en abril de 1955 debutó en Radio Splendid con la flamante orquesta típica de Carlos Figari. Con esa formación permaneció varios años, actuando en diferentes escenarios, entre ellos, la confitería Adlon, junto al cantor Héctor Omar, recientemente incorporado.

También, llegó al disco y, entre sus primeras versiones fonográficas para el sello Music Hall podemos destacar, “Bien jaileife” y “El piano del bar”. Luego pasaron a Radio del Pueblo y en 1959, Figari agregó la voz de Aldo Fabre. También formaban parte del elenco de la emisora, el Cuarteto Troilo-Grela y el cantor Alberto Marino.

En 1958, Figari decidió transformar su orquesta en una agrupación más pequeña. En 1961, y ya Dumas como solista, formaron rubro y volvieron a grabar, esta vez para el sello Disc Jockey. Luego se desvincularon y Enrique continuó su carrera solo.

Resultaría ímprobo detallar la cantidad de presentaciones que hizo a partir de ese momento y menos, historiar su polifacética trayectoria; pero sí podemos señalar algunos aspectos de ella.

Fue uno de los pioneros del tango en la televisión argentina, participando en muchos programas. En el Canal 7, “Esquina de Tango” (1958) con Figari y “La Familia Gesa” (1958-1960) junto a Virginia Luque; “Yo te canto Buenos Aires” en el Canal 11; “Grandes valores del tango” en Canal 9; “El show de Antonio Prieto” (1963) en el Canal 13, y muchos otros.

Su primera actuación en la comedia fue con Olinda Bozán y Alberto Anchard en “Aquí está la vieja ola y esta vez no viene sola”. Participó además, en la reedición de la obra teatral de Francisco Canaro, “La Muchacha del Centro”, con el capo cómico José Marrone. También actuó con Mariano Mores y con grandes artistas como Mirtha Legrand, Virginia Luque, Susy Leiva y Nestor Fabián, en “Buenos Aires de seda y percal”, en el teatro Coliseo. En el Teatro San Martín encarnó a Santos Vega en “La guitarra del Diablo”. Otro de sus grandes éxitos fue “El Conventillo de la Paloma”, junto a la gran actriz Pepita Muñoz y el recordado Marcos Kaplán. Luego vendrían: “Aplausos”, con Libertad Lamarque y Juan Carlos Thorry; “Tangos en El Dante”, junto a Aníbal Troilo y Tito Lusiardo; “Yo canto a mi Argentina”, con Mores, Lusiardo y Héctor Gagliardi; “Buenos Aires, todo tango”, con Beba Bidart, Horacio Salgán y Ubaldo De Lío, y muchos más.

En el cine tuvo menos relevancia en películas fáciles de olvidar: “Viaje de una noche de verano”, junto a Néstor Fabián y dos excelentes cantantes japoneses: Ikuo Abo y Ranko Fujisawa; “Bicho raro”, donde también participó el conjunto folclórico Los Fronterizos, ambas de 1965; y “Flor de piolas”, estrenada en 1969.

Su producción discográfica es extensa. Registró entre longplays y cassettes alrededor de una docena de volúmenes. Entre ellos se destacan: “Dumas canta a Mores”, “El porteñísimo” e “Historiando tangos”, con Roberto Pansera para el sello Polydor; “El que canta es mi papá” (Polydor); “Alma de bohemio”, con el Sexteto Mayor (Diapasón); “De rompe y raje”, con Osvaldo Requena (Microfón); “El firulete”, con Alberto Di Paulo (Magenta) y “Tangos con sus grandes valores”, con Luis Stazo (Diapasón). En 1966, fue convocado por Ben Molar para su producción fonográfica, “14 con el Tango”, en el que interpretó los temas “Bailate un tango Ricardo” y “En qué esquina te encuentro Buenos Aires”, ambos perfectamente representativos de su estilo vocal.

En el año 2003, viajó a Japón como artista invitado, junto a la orquesta del bandoneonista Carlos Galván, con gran repercusión.

Las responsabilidades caían justamente en Piruco , y otro pibe que no era otro que, Piero Fontana, ( con los años adoptaría el nombre artístico de (Hugo del Carril), quienes con sus virtudes canoras hacían el deleite de las pibas. El viejo de Floreal, que era muy realista, dado las épocas difíciles por la que había que transitar, y conociendo las aspiraciones de su hijo, se oponía a que Floreal cantara, porque opinaba que los que cantaban le esquivaban el bulto al laburo, y la vida para el si no se trabajaba no se comía, así de simple.

Floreal , no era de contradecir a su padre, por lo tanto, trabajaba y colaboraba económicamente con el hogar, pero su vocación por el canto era muy fuerte, y en cada concurso que había de selección de cantores allí iba y se anotaba, por supuesto con nombre falso, eligiendo una vez el nombre de Fabian Conde y otra vez el de Carlos Martel. Los concursos generalmente los hacían en la radio , para ese entonces Fénix y Prieto.

Año 1936 - Después de tanto batallar, gana uno concurso, y José Otero que tenía un conjunto, que actuaba en Radio Prieto y Radio Belgrano, lo invita a integrarse con ellos.
También actúa fugazmente en la Orquesta Armenonville que dirigía Alberto Mancione.

La época de Oro para el Tango había comenzado, las agrupaciones Orquestales pulían sus estilos para captar al gran público, y los cantores eran pieza fundamental en este juego de seducción para lograr consenso entre los porteños.

Año 1941 - En ese año Alfredo De Angelis estaba buscando un cantor que hiciera pareja con Héctor Morea, el Colorado de Banfield, sabedor que su colega director , Otero, tenía un joven cantor que pintaba bien, hace los arreglos para que esta promesa se incorpore a su Orquesta, y previa prueba, lo invita a integrarse con el, y el joven Floreal con tan solo 26 años entra por la puerta Grande al Tango.

Inmediatamente, Morea se retira de la Orquesta, se incorpora en su reemplazo Julio Martel, y forman un dúo que ensamblan armoniosamente con la Orquesta , lo que provoca que actúen en uno de los reductos mas codiciados en los comienzos de la etapa de Oro del Tango, El Marzotto, y además se suman actuaciones en Radio El Mundo que no era poco, para las aspiraciones de esta incipiente agrupación orquestal.

Las orquestas para ese entonces tenían glosadores, que hacían la introducción ya sea al conjunto como también al tema que interpretarían, Nestor Rodi tenía esta responsabilidad, con De Angelis.

El joven Ruiz, con su cálida voz, y ese medio tono, cautivó inmediatamente a los porteños que compraban hasta agotar, los discos que grababa con la Orquesta, Marioneta, Déjame así, Como se muere de amor, Bajo el cono azul, Cero al As, Mi novia de Ayer, Madre y Guitarrera, fueron sus éxitos.

Pero como nada es para siempre en la vida, y el tema pasaba por la parte económica; había otras Orquestas que cobraban otros cachets mas elevados, por actuar, y esa situación les permitía a los directores buscar a los mejores profesionales (músicos o cantores), para incorporarlos, y de ese modo seguir en el pelotón de los conjuntos líderes.

Comentamos esto porque en una de esas orquestas preferidas, era justamente la de Anibal Troilo y en su mejor momento, Fiorentino abandona la misma.

Pichuco, que creía que esto jamás pasaría, se aboca inmediatamente a la tarea de encontrar un reemplazante, y era conciente que no sería fácil.

Alberto Marino, su otro cantor , sabedor de esto, le comenta “…yo soy amigo de Floreal, si usted lo seduce con un sueldo mayor creo que puedo hacer que cante con usted…”

Al Gordo , siempre le gustó Ruiz por su color de voz y su forma de cantar, acepta la propuesta, y le dice, “Alberto interéselo y si se decide favorablemente, dígale que le doblo el sueldo…”

Año 1943 -Así lo hace Marino, y Floreal sin dudarlo pasa con la orquesta de Pichuco, causando mucho malestar en De Angelis, pero se resigna al saber que la oferta económica era muy tentadora para despreciarla, (motivo muy justificado por otra parte) y el que era muy buen tipo, no era persona de cortarle el futuro a nadie, le deseó la mejor de las suertes, y lo dejó partir.

“No hay mal que por bien no venga”, reza un viejo refrán, en su reemplazo ingresa Carlitos Dante que con el tiempo sería uno de los íconos mas relevantes del conjunto, del maestro Alfredo De Angelis.

Año 1944 - En el mes de septiembre, Floreal Ruiz graba su primer tema con Troilo, el tango, “Marioneta”.
Si bien Marino era la primera voz, la extraordinaria afinación de Floreal hizo que el Gordo le haga grabar, La noche que te Fuiste y Confesión, Flor de Lino y Romance de Barrio.
El dúo Marino-Floreal, uno de los mas destacados en esos tiempos, duró hasta el año 1947, en que el Tano Marino se aleja e ingresa Edmundo Rivero. reforzando a cabalidad la ausencia del barítono cantor , dado que Lionel Erdmundo, era un excelente profesional en toda la expresión de la palabra.
El época de Oro de nuestro Tango había abundancia de trabajo, los orquestas eran requeridas, de radios, clubes, Cabarets, etc…

Pichuco era en su estilo, rey y señor en el Marabú, Ocean Dancing, y El Tibidabo, además de las actuaciones permanentes en Radio Belgrano y El Mundo .
Músicos de la talla de Hugo Baralis, Reinaldo Nichele, Jose Basso , le daban el marco inconfundible al bandoneón cadenero de Pichuco.

Año 1947 - Jose Basso emigra del conjunto y es remplazado por Carlos Figari.
Para ese entonces había una orquesta que sin ser descollante, se jactaba de tener cantores selectos, tentaba a los interpretes con sumas de dinero que no ganaban en ninguna otra orquesta, era la de Francisco Rotundo.

Año 1949 - Rotundo le ofrece ganar por mes ; lo que Troilo le pagaba por año, y Floreal no lo piensa dos veces , acepta , y el querido Gordo experimentaba en carne propia el dolor de ver partir a un cantor inconfundible (como a el le gustaba recordarlo), sintió el mismo desencanto que sufriera De Angelis. cuando el se lo llevó con el, a Floreal.
La Orquesta de Francisco Rotundo se apoyaba en esa piedra angular que eran sus cantores, para mantenerse en la competencia, dado que no tenía un estilo propio que encendiera las pasiones tangueras, entre los porteños.

Por Rotundo pasaron todo el abanico de la primera línea de interpretes, de la época.
Los éxitos de Floreal con Rotundo fueron; Aquel Tapado de Armiño, Esclavas Blancas, Sobre el Pucho.
La opulencia económica de la que hacía derroche su Director , hacía que tanto músicos como cantores quisieran sumarse a esa Agrupación Orquestal.

Ruiz llega a Rotundo y los cantores eran Enrique Campos y Carlos Roldán, quiere decir que en un periodo corto tenía algo poco común en los conjuntos, tres intérpretes.
Al poco tiempo se retira Roldan y el hace dúo con Campos, de esa etapa hay una joya grabada, “El viejo Vals”.

Año 1952 - A fines de este año Enrique Campos se despide de la Orquesta, para hacer una experiencia como solista, y Rotundo sabiendo del poder del dinero para seducir, interesa a otro primerísimo cantor, que cantaba con Franchini-Pontier, Julio Sosa , para que acompañe a la estrella de su Orquesta, que era, Floreal Ruiz.

Floreal pasa a ser primer cantor, y graba temas como; Las vueltas de la Vida, Y no tenés perdón, y otros…
La orquesta de Rotundo estaba íntimamente ligada a la política, dado que su esposa, era la senadora, Juanita Larrauri, y el 1956 cuando se produce la Revolución Libertadora que derroca a Perón, Rotundo coincide en disolver la orquesta.

Músicos y cantores de la mismas, quedan en la calle, Floreal se toma unas vacaciones para meditar y ver donde se incorpora, el sabía que no tenía que ofrecerse que era una figura bastamente conocida en el ambiente.

Contribuía mucho además, positivamente, su personalidad, su forma de ser, amigo de todos, su bajo perfil, no tenía odios ni rencores por nada ni por nadie, su carácter jovial hacía que todos los colegas lo respetaran y valoraran sus condiciones profesionales.

Año 1956 - Jose Basso quien ya conocía a Ruiz dado que habían sido compañeros cuando actuaban con Troilo (todavía no lo habían bautizado TATA), lo interesa para incorporarse en reemplazo de Rodolfo Galé, quien hasta esos momentos, hacía pareja con Oscar Ferrari , y se incorporaba a la orquesta de Carlos Di Sarli para hacer dúo con Argentino Ledesma.

Año 1957 - Se retira también Ferrari y Ruiz graba 13 temas estando solo en la agrupación.
Los entendidos dicen que el binomio - Director-Cantor - era un ensamble tan armonioso, donde Basso por su definido estilo dando preeminencia a las cuerdas y bandoneónenos y su estilo tan personal para marcar el ritmo desde el piano, acompañaba , a Floreal, en esta, su nueva etapa, que ya contaba con una voz mas madura, dado que el tango no se cantaba sino mas bien se decía.

El primer maestro del fraseo, fue, Roberto Rufino, y Floreal inteligentemente comenzó el también a DECIR el tango, y esta nueva modalidad fue ganando adeptos entre otros grandes, como Goyeneche, Morán, Mauré, Sosa, Podestá, y otros…

Fueron 40 los temas que grabó Floreal con Basso. Ocho años duró la brillante sociedad musical entre Basso y Floreal, con creaciones a dúo con colegas de la talla de Alfredo Belusi y Jorge Durán.

Sus compañeros en ese tiempo por orden cronológico fueron, Oscar Ferrari, (1956), Alfredo Belusi (1957/60), Alfredo Del Rio (1961), Roberto Florio, Jorge Durán 1962/63.
En 1964 - el Tango entra en, vía muerta, decreciendo vertiginosamente el interés en el gusto popular.

Nos invadía la música foránea, y las autoridades de turno por su pasividad, abonaban el terreno que deberían haber preservado, por ser el Tango conjuntamente con el folklore nuestra máxima expresión cultural musical. Había una nueva generación de jóvenes muy influenciada por el sistema de vida Norteamericano, y trataban de copiar todo, desde como vestirse, que comer, hasta que bailar.
Además las empresas grabadoras que manejaban el mercado eran Americanas, como R.C.A. Victor, que contrataban a los cantantes americanos para actuar en el país en televisión y distintos show.

Eso dio origen al Club del Clan, armado justamente por esta empresa, donde se mostraba tibiamente (para atenuar el malestar), el Tango a través de jóvenes cantores como Raul Lavié y Enrique Dumas.

Elvis Presley, Billy Haley, Neil Sedaca, y otros, eran los espejos donde se miraran los jóvenes imitadores argentinos, y así el Rock and Roll comienza a remplazar a nuestro tango…

Las orquestas para sobrevivir, no tenían mas remedio que achicarse, cuartetos, sextetos, dúos, eran la opción, los cantores se convirtieron en solistas para no relegar posiciones, un caso fue el de Julio Sosa que elige a Leopoldo Federico, (para que lo acompañe en sus actuaciones) , que hasta allí era el Director Musical de Radio Belgrano.

Este cantor fue , fue uno de los que marcó la nueva senda.
Floreal no era la excepción , con el gran maestro compositor y arreglador, Osvaldo Requena continuó actuando y grabó para el sello Microfón y actuó con mucho éxito en los canales 9 y 11.

Empiezan a venir ofertas de Colombia, Venezuela, México y otros países de América, donde el público sentía mucho respeto por el Tango y querían ver actuando en sus ciudades a esos solistas que otrora, produjeron grandes éxitos.

Fue justamente en uno de esos viajes que Floreal encabezando un grupo de interpretes, y lógicamente por ser el , el de mas edad en el grupo y además el mas serio, se encarga de cobrar el cachet y repartir el dinero que le correspondía a cada uno.

Sabedor de muchos años que la plata del cantor dura poco en los bolsillos, el propone hacerse cargo, y distribuir a cada cual lo suyo; cuando retornaran a Buenos Aires, postura que aceptada en forma unánime.

Allí nació en apodo de Tata, dado que todos sabían que la guita estaba bien segura porque la tenía el Viejo, y por mas que le pidieran a cuenta el no aflojaba, el quería que cada uno retornara con dinero para su familia. Cariñosamente lo bautizaron Tata, y el que era un ser bonachón aceptó el apodo, dado que por experiencia y por edad, era un poco el padre de ellos.

Cuando un infarto lo postró allá por l977 y estuvo internado en el Hospital Durand, todos sus colegas , músicos e interpretes, lo visitaron para desearle pronta mejoría.

El 17 de Abril de 1978 , siendo joven aun con 61 años, su corazón dijo basta, y fallecía este ser querible, uno de los interpretes mas relevantes y queridos que quedarán en la memoria de todos lo que aman la mejor música del mundo, El Tango.

Uruguayo de la ciudad de San José de Mayo, la suya es una historia densa, desbordante de situaciones, preñada de anécdotas, algunas de las cuales asumieron categoría de mitos. Niño nacido en la mayor pobreza, que no tuvo estudios, su única opción fue el trabajo. Cuando con su certero instinto encontró el camino de la música, logró lo que se propuso: éxito y fortuna. Los egoísmos y las mezquindades que como todo ser humano pudo haber abrigado pasaron a segundo plano. Su labor y sus ideas fueron ejemplos a seguir. Y fue el aglutinante de sus compañeros, pues desde 1918 luchó por los derechos autorales, no reconocidos en esos tiempos, hasta culminar en la creación de la actual SADAIC (Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música), fundada en 1935 y cuyo edificio fue erigido en terrenos adquiridos por Canaro.

Sus comienzos se confunden con los de la historia del tango. Tanto que un programa radial de mediados de los ‘50 acuñó una frase comodín para referirse a cualquier hecho muy antiguo: «De cuando Canaro ya tenía orquesta». Su fortuna dio pábulo, además, a un dicho popular: «Tiene más plata que Canaro», con el que se aludía a la opulencia de alguien. Se cuenta que estando Canaro con Gardel en el hipódromo, éste le pidió quinientos pesos (una suma entonces enorme) para apostar, pero advirtiéndole que se olvidara de la deuda: «Yo soy pobre, y vos tenés toda la guita (dinero) del país.» Es que al lado de Canaro, hasta Gardel era pobre.

Canaro fue Pirincho desde el alumbramiento mismo. La partera, al tomarlo en sus manos, exclamó al verle tanto pelo y un mechón enhiesto: “¡Parece un pirincho!”, aludiendo a un pájaro encrestado, común en el Río de la Plata. La familia llegó pronto a Buenos Aires, donde vivieron en casas de inquilinato (llamadas “conventillos”), en condiciones de extrema pobreza. Antes de cumplir los diez años ya voceaba diarios por la calle. Luego fue pintor de brocha gorda, y se empleó incluso en las obras del Congreso de la Nación.

La música lo atraía. Su primer logro con ella fueron unos tonos que pudo arrancarle a una guitarra gracias a las enseñanzas de un vecino zapatero. Pero lo cautivaba el violín. A falta de dinero para adquirir uno, improvisó su Stradivarius con una lata de aceite y un mango de madera. «El primer tango que saqué de memoria fue “El llorón”, de autor anónimo -recordaría muchos años después-. El estuche me lo fabricó mi vieja; en realidad una funda de género, y ya salí a ganar algo de plata en bailes de la vecindad.»

Pero su debut oficial ocurrió en Ranchos, un pueblo perdido, a cien kilómetros de Buenos Aires. Se presentó allí con un trío, cuya actuación en aquel paraje duró poco, y por dos razones. Una fue que el palquito que sustentaba a los artistas tuvo que ser reforzado con chapas de hierro para guarecerlos de los balazos que solía intercambiar la clientela. La otra, que Canaro gustaba de las señoritas del local, atracción de la cual quiso disuadirlo el dueño del establecimiento, refiriéndole que el encargado de las muchachas tenía varias muertes en su haber.

De regreso a casa conoció a un nuevo vecino, el bandoneonista Vicente Greco -el mismo que poco tiempo después impusiera la denominación de Orquesta Típica a los conjuntos tangueros-. Canaro reconocería tiempo después lo que influyeron en él los conocimientos de Greco. Corriendo el 1908 ya estaba decidido que el camino de Canaro estaría en el tango. Actúa por entonces en los cafés concert que abundaban en el barrio de la Boca y su nombre comienza a ser reconocido. Luego se une a su amigo Greco y en diversas giras van encontrando la prosperidad que anhelaban.

En 1912 comenzó Canaro su trascendental labor de compositor con los tangos “Pinta brava” y “Matasanos” (sarcasmo por médico). A lo largo de su vida acumuló tal número de obras que hasta hoy se discute cuántas realmente nacieron de su inspiración, y de cuántas se apropió a cambio de favores o dinero. Pero como sostuvo el estudioso del tema Bruno Cespi, «con que Canaro haya compuesto sólo el cinco por ciento de todos los temas que firmó bastaría para considerarlo un grande.»

“Matasanos” lo escribió a pedido de los estudiantes de medicina a punto de recibirse, que en el día de la primavera organizaban los llamados “Bailes del internado”. Fue en uno de ellos cuando, contratado para presentarse con su conjunto, formado al efecto, por primera vez empuñó la batuta. Su orquesta fue la primera en ingresar en residencias aristocráticas, donde el tango era resistido.

Musicalmente sus conjuntos no cultivaron un estilo definido. Canaro prefirió adaptarse a cada momento, encontrando siempre la manera de conservar su espacio sin entrar en competencia con otros astros del género. Sobre el abultado número de sus grabaciones no hay estimaciones coincidentes: las cifras varían entre 3500 y 7000.

En 1924 concibió la ocurrencia de incorporar un cantor a la orquesta, aunque sólo para entonar el estribillo, breve tema central de cada tango. Dio así inicio a la era de los “estribillistas” o “chansonniers”, el primero de los cuales fue Roberto Díaz. Varios años antes, Canaro había sido también pionero en la incorporación del contrabajo a la orquesta de tango, eligiendo para ese menester al morocho Leopoldo Thompson. En 1921, para animar los carnavales en el ya desaparecido teatro Opera, de Buenos Aires, formó una orquesta de 32 músicos, masa orquestal desconocida por el tango hasta ese momento.

En 1925 marchó a París, donde el tango hacía furor. Ya estaban allí, entre otros, Manuel Pizarro y sus hermanos, cada uno con una diferente orquesta “Pizarro”, y Canaro hizo lo propio con sus hermanos. Había llevado consigo a sus estribillistas Agustín Irusta y Roberto Fugazot, dúo al que unió con el pianista Lucio Demare. El resultante trío triunfaría en España y otros países de Europa por más de diez años. También presentó en París una cancionista, Teresa Asprella, ya residente en Francia, y cuando viajó a Estados Unidos convocó a Linda Telma.

Cuando regresó al país tras dos años de ausencia, buenas orquestas concitaban la preferencia del público. Sagazmente, Canaro emprendió una extensa gira por el interior del país para hacerse conocer en todos los rincones. Luego, a medida que la radiofonía cobraba auge, la utilizó a fondo, hasta convertirse en la mayor estrella del éter. Aunque otros músicos habían evolucionado y desarrollado estilos personales, el apellido Canaro era conocido por todos.

El teatro musical no fue su creación, pero todas las revistas que produjo fueron exitosas. Se valía de mínimos argumentos como pretexto para presentar sus números musicales. Sus cantores eran galanes, y a algunos tangos los modificaba para convertirlos en “sinfónicos”, utilizándolos como oberturas o intermezzi, ejecutados por la orquesta desde el foso. Exhumaba antiguos tangos, rebautizándolos, y les volvía a cambiar el nombre si se les agregaba letra. Así, su tango sinfónico “Pájaro azul” provenía de su anterior “Nueve puntos”; “Halcón negro”, de 1932, era previamente “La llamada”, y ya con letra pasó a ser “Rosa de amor”. Trató asimismo de imponer un nuevo ritmo, el tangón, que no resultó. También intentó con el milongón.

Su único fracaso se lo propinó el cine. Fundó la productora Río de la Plata, pero ninguna de las películas de ese sello le dio ganancias, y más tarde le costó desprenderse de la empresa.

Algunas de sus composiciones exitosas fueron “El chamuyo”, “El pollito”, “Charamusca”, “Mano brava”, “Nobleza de arrabal”, “La tablada”, “Destellos”, “El opio”, “Sentimiento gaucho”, “La última copa”, “Déjame”, “Envidia”, “Se dice de mí”, “La brisa”, “Madreselva” (anteriormente “La polla”) y “El tigre Millán”.

En 1956 publicó sus memorias, tituladas “Mis 50 años con el tango”, abundantes en adjetivaciones. Un extraño mal, la enfermedad de Paget, lo condujo a la muerte. Su fortuna fue repartida en partes iguales entre su esposa legal, “la francesa”, por un lado, y las hijas nacidas de sus amores con una muchacha del coro de una de sus revistas, por el otro. En Montevideo una calle lleva su nombre. Hasta hoy, en Buenos Aires, ningún cine, ningún teatro, ninguna calle lo recuerda.

Una tardecita de 1928, un gordito retacón, con ojos de japonés, bajó del tranvía 31 y encaró para el lado de la calle Soler, en la frontera sur de Palermo Viejo con el Abasto y Almagro. El pibe venía del Carlos Pellegrini, del colegio. En la esquina, lo pararon los amigos: el jorobadito Goyo, Duve, el flaco Cutaro, Luisito el peluquero… “¡Dogor! -le gritó el jorobadito- ¿te querés ganar unos mangos? Te conseguimos una actuación en el Petit Colón”.

El fue al tango, como instrumentista, lo que Carlos Gardel a su interpretación cantada.

Así empezó la historia. El gordito retacón con ojos de japonés tenía 14 años, los pantalones cortos y todo el barrio adentro. Se llamaba Aníbal Carmelo Troilo.

Ejecutante de bandoneón, justamente el instrumento símbolo del género, su apodo familiar de “Pichuco” trascendió a la sociedad y coexistió armoniosamente con el artístico de “El Bandoneón Mayor de Buenos Aires”, según lo bautizara el poeta lunfardo Julián Centeya.

Varios factores contribuyeron a hacer de Troilo un mito viviente: su manera de tocar “hacía hablar” al bandoneón en los fraseos, del mismo modo que la trompeta de Louis Armstrong “enseñaba” a cantar jazz a sus contemporáneos. Pero además, Troilo fue un melodista inigualable, cuyo talento para la composición quedó registrado en temas como los que escribió para letras de Homero Manzi (”Barrio de tango”, “Sur”, “Discepolín”, “Che Bandoneón”), o de Cátulo Castillo (”María”, “La última curda”) o en su “Responso”, a la muerte, justamente, de Homero Manzi, en 1951. Fue un tío llamado Juan Amendolaro quien le impartió las primeras nociones de ejecución de bandoneón. Y ya en 1926, con apenas 12 años, estaba tocando en un festival benéfico del Petit Colón, un cine de su barrio. Nunca más se bajó de las tablas. Por su orquesta pasarían, entre una larga constelación de grandes, un joven bandoneonista marplatense llamado Astor Piazzolla, a quien distinguió prontamente con la confianza que el director dispensa a quien se convierte en su arreglador, y a quien solía hacer una sola recomendación: “La gente tiene que bailar, no perdamos el baile, si perdemos la milonga, sonamos”.

Muchos años después, ese mismo Troilo, ya devenido en “Pichuco”, fue a visitar a Enrique Santos Discépolo, que entonces vivía en La Lucila. Se quedó a cenar y cuando la sobremesa se alargaba, Discépolo lo llevó a los fondos de la casa para que viera el jardín que él mismo cuidaba. De repente, le preguntó:

- ¿Cómo estás?
- Bien - le contestó Pichuco.
- ¿Qué vas a hacer?
- No sé.
- ¿Sabés lo que tenés que hacer?
- No.
- Nada.

Para Discépolo, Pichuco, ya había hecho todo. Pero, se equivocaba, le quedaba por ejemplo, envolver en melodías los versos de “Discepolín”, escritos por Homero Manzi. O los de “A Homero”, “Desencuentro” y “La última curda”, que hizo Cátulo Castillo. Cuando murió Manzi, una noche lo sintió dentro de él. Estaban jugando al Bacarat en su casa cuando se levantó de la mesa y se fue a otra habitación para componer de un tirón “Responso”, una elegía que está entre los tangos más grandes de todas las épocas. Lo grabó y no quiso tocarlo nunca más. Cuando el público lo obligaba, accedía, pero se desgarraba por dentro.

Fue autor de 60 tangos. Todos inolvidables. Sus músicos decían que llevaba al tango en la piel. Tocaba como bailaban los bailarines de antes, resbalando sobre el piso encerado. Eso no se lo enseñó nadie, porque eso no se aprende sino que se trae en el alma. Es necesaria una sensibilidad muy especial y Troilo la tenía, por eso fue lo que fue.

Sus sucesivas formaciones orquestales no sólo incorporaron a cantores insignes -Alberto Marino, Floreal Ruiz, Edmundo Rivero, Roberto Goyeneche, Elba Berón, Nelly Vázquez- sino a instrumentistas prestigiosos, auténticos paradigmas del género: los pianistas Orlando Goñi, José Basso, Carlos Figari y Osvaldo Berlingieri; los bandoneonistas Astor Piazzolla, Ernesto Baffa y Raúl Garello; los violinistas Hugo Baralis, Salvador Farace y Juan Alzina; el cellista José Bragato… Como siempre sucede, los artistas que logran aquerenciarse en el espíritu ciudadano son humildes de alma, desdeñan los oropeles del éxito y disfrutan el regocijo que sólo proporcionan “esas pequeñas cosas”.

Remolón, parsimonioso, “fiaca” confeso, Troilo se volvía frenético cuando lo asaltaba la inspiración o cuando sus kilos de más y la jaula sobre sus rodillas conjugaban un solo cuerpo de pasión tanguera.

La gente le tenía cariño, siempre lo reconoció; y él siempre decía: “Los que caminan al bardo, como yo, siempre quieren a los que les hacen bien”. Al bardo, para él, era caminar sin ton ni son. Los que lo conocieron muy de cerca afirman que un hijo podría haberle cambiado la vida. Pero, no lo tuvo, siempre se jactó de su amor por la noche. Un día, entró a una Iglesia y discutió con el párroco que pretendió darle un sermón. “El recién tenía treinta años y me quería enseñar a vivir a mí, justo a mí, que me pasé la vida en la calle, a los golpes con la vida, con la gente y conmigo mismo, porque yo siempre fui mi peor enemigo. Pichuco fue el peor enemigo de Aníbal Troilo”.

Solía cerrar los ojos cuando tocaba y nunca supo explicar porqué. Si lo apuraban, decía que era porque, posiblemente, se sentía dentro de sí mismo. Era así, parecía que se dormía sobre el fueye. Los aplausos lo despertaban. Entonces, comprendía que todo había sido en vano, que nunca había estado solo.

Víctima de un derrame cerebral y de sucesivos paros cardíacos, Pichuco murió el 19 de mayo de 1975 en el Hospital Italiano, pero aún hoy su recuerdo promueve un reverencial sentimiento de porteñidad.

Si tuviéramos que elegir un personaje síntesis de los últimos treinta años del tango, sin ninguna duda surgiría el nombre del Polaco Goyeneche. No sólo por tratarse de un cantor extraordinario, sino y fundamentalmente, por ser el arquetipo de la última camada de nuestra estirpe y bohemia porteña.

La expresividad de su fraseo, el particular modo de colocar la voz, la fuerte personalidad del que conoce la esencia misma del tango, lo distinguen de todos los otros cantores de nuestro tiempo.

El manejo de los acentos y los silencios, el arrastre de alguna palabra de la letra, o el susurro intimista de un verso, lo convierten en un vocalista irrepetible, imposible de ser confundido con otro.

Su dicción era perfecta, aún en los últimos años de su vida cuando la decadencia de su voz, lejos de mellar su popularidad lo elevó a la categoría de mito viviente.

Algunos lo describen como un “diceur”, algo así como un “chansonnier” de los años treinta, pero no comparto esta opinión -generalmente expresada para empalidecer su importancia- fue un excepcional cantor, que como muchos otros grandes tuvo diferentes etapas para diferentes gustos, pero todas memorables.

El Polaco inicia su carrera como cantor de la orquesta de Raúl Kaplún en 1944, a los dieciocho años. En 1952 y en esa misma condición, continúa con Horacio Salgán, junto al cantor Angel Díaz “El Paya”, quien fuera responsable de su apodo.

Pocos años más tarde, en 1956, se convierte en el cantor de la orquesta de Aníbal Troilo, todo un reconocimiento a su incipiente carrera.

Este modo de nacer artísticamente es uno de los motivos por el cual Goyeneche entiende el tango como un músico, como un instrumento vocal tal cual lo hicieran los cantores del cuarenta, afiatando su garganta y su fraseo en total armonía con la orquesta.

Con el tiempo logra tal perfección, que se permitiría el lujo de iniciar una frase a destiempo -cadenciosamente- para luego alcanzar las últimas notas al final del compás.

Fue un cultor respetuoso del ritmo, en una época donde la mayoría de los solistas lo fusionan a las baladas, a los boleros o a sofisticadas canciones con aire de tango.

El repertorio de Goyeneche fue muy extenso y variado, los tangos bien antiguos y los más modernos desfilan desprejuiciados en su trayectoria discográfica. Grabó “El motivo”, de Juan Carlos Cobián y Pascual Contursi, y fue el primero en registrar “Balada para un loco” de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer.

Si se me permite la expresión, el Polaco se apropió de muchos tangos clásicos.

¿Y por qué digo esto? Por la sencilla razón de haber recreado innumerables tangos cuyas versiones originales tenían nombre y apellido -estaban identificadas con otros cantantes- y que a partir de su interpretación pasaron a ser emblemáticos de su repertorio.

Tales son los casos de “La última curda” (Edmundo Rivero), “Naranjo en flor” (Floreal Ruiz), “Qué solo estoy” (Raúl Berón), “Gricel” y “Garúa” (Francisco Fiorentino), entre otros.

También fue un gran intérprete del repertorio de Carlos Gardel. Sus versiones de “Lejana tierra mía”, “Siga el corso”, “Volvió una noche”, “Intimas” y “Pompas” son espectaculares.

Cantó mejor que nadie los tangos “Afiches”, “Maquillaje” y “Chau no va más” de Homero Expósito y relanzó a una dimensión increíble “Naranjo en flor”.

Resulta impresionante su versión de “Malena” y conmovedor el registro del tango “Discepolín”, hitos en la poesía de Homero Manzi.

En cuanto a Enrique Santos Discépolo hizo verdaderas recreaciones de “Soy un arlequín” y “Cafetín de Buenos Aires”.

La propuesta de “María” de Cátulo Castillo sugiere una infinita dulzura, pero no podemos dejar pasar por alto que es dueño absoluto de “La última curda” donde su voz patentiza el profundo dramatismo de estos versos que expresan la etapa existencialista de Cátulo.

En cuanto a “Pompas” e “Intimas”, después de Gardel, las suyas son las mejores versiones.

Y qué decir de “Garúa”, “Gricel”, “Tú”, “Cuando tallan los recuerdos”, “Ya vuelvo” y tantos otros temas inolvidables.

Fue admirador y amigo entrañable de Aníbal Troilo, como cantor de su orquesta graba 26 temas y unos años después, ya solista, se vuelven a asociar en dos larga duración, titulados “El Polaco y yo” y “¿Te acordás Polaco?”.

Su carrera ascendente continúa con la dirección de los más grandes maestros de su época, Armando Pontier, Raúl Garello, Atilio Stampone, Baffa-Berlingieri y muchos otros.

Se consagra como solista después de brillar como cantor de orquesta y, curiosamente, el fervoroso reconocimiento y la devoción del público llegaría a la madurez de su voz para no abandonarlo hasta su muerte.

Yo tuve la suerte de verlo actuar muchas veces, en distintos lugares de Buenos Aires. Pero hoy vienen a mi recuerdo, las mágicas trasnochadas de estudiante universitario, allá por el año setenta. Por primera vez escuché al Polaco cantando tangos a capella en el Bar Amazonas -ubicado en la esquina de Marcelo T. de Alvear y Talcahuano- en una de las tantas escapaditas que él hacía en los intervalos de sus actuaciones en Caño 14 -mítico escenario de la noche porteña- que quedaba a la vuelta.

Bastante tiempo después me di el gusto de conocerlo, de charlar con él e incluso, de compartir un video donde aparecemos conversando en la mesa de un café y él me tarareaba “Mariposita”.

Fue grande entre los grandes, y de la mano de Gardel y de sus hermanos Corsini, Charlo, Fiorentino y Vargas, su voz, su garganta con arena, nos seguirá deleitando con el sabor del tango y el perfume cotidiano de las noches de Buenos Aires.

Venía de muy abajo y jamás negó sus orígenes.”Mi padre fue analfabeto y mi madre, sirvienta”, siempre contaba y para que no queden dudas, siempre agregaba: “Cuando debuté en Buenos Aires, me tuvieron que prestar un traje”.

Apenas terminados los estudios primarios, la pobreza lo llevó a enfrentar la vida con cualquier conchabo que se le presentara. De ese modo, ejerció las más diversas ocupaciones: ayudante de mercachifle, vendedor ambulante de bizcochos, podador municipal de árboles, lavador de vagones, repartidor de farmacia, marinero de segunda en la aviación naval…

Pero sus ambiciones eran otras. Y tras esas ambiciones, intervenía en cuanto concurso de cantores se le pusiera a tiro. También apareció el amor, que lo condujo al altar con sólo dieciséis años; dos más tarde, se separó de aquella muchacha, llamada Aída Acosta.

Por entonces, se inició profesionalmente en la ciudad de La Paz (Uruguay) como vocalista de la orquesta de Carlos Gilardoni. Se trasladó luego a Montevideo, para cantar con las de Hugo Di Carlo, Epifanio Chaín, Edelmiro “Toto” D’Amario y Luis Caruso. Con esta última, llegó al disco, donde dejó cinco interpretaciones para el sello Sondor en 1948.

En junio del año siguiente, ya estaba en Buenos Aires cantando en cafés, como el Los Andes, de la esquina de Jorge Newbery y Córdoba. También realizó una prueba en la orquesta típica de Joaquín Do Reyes, pero el director consideró que la voz de Sosa era un tanto dura para el estilo interpretativo de su agrupación.

En agosto, lo descubrió el letrista Raúl Hormaza, que no demoró en acercarlo a Enrique Mario Francini y Armando Pontier, que andaban con ganas de sumar un nuevo cantor al que ya tenían en su típica, Alberto Podestá. De ganar veinte pesos por noche en el café, pasó a los mil doscientos mensuales con Francini-Pontier.

En abril de 1953, pasó a la típica de Francisco Rotundo, con la que grabó en Odeón y de cuyas placas se recuerdan aún verdaderas creaciones como las de Justo el 31, Bien bohemio y Mala suerte.

En junio de 1955 ingresó en la de Armando Pontier y registró sus grabaciones en Victor y Columbia. La gayola, ¡Quién hubiera dicho!, Padrino pelao, Martingala, Abuelito, Camouflage, Enfundá la mandolina, Tengo miedo, Cambalache, Brindis de sangre o No te apures, Carablanca fueron algunos de sus clásicos en esa etapa en que el éxito estaba ya completamente de su parte.

En 1958, contrajo un nuevo matrimonio, con Nora Edith Ulfed, con la que tuvo una hija, Ana María. Ya separado, reincidió, con Susana “Beba” Merighi, su compañera hasta el fin de sus días.

En 1960 reveló su otro aspecto artístico, el de poeta, con la publicación de un único libro, “Dos horas antes del alba”. También incursionó en la letra tanguera con una muestra Seis años, que lleva música de Edelmiro D’Amario.

A comienzos de 1960, se desvinculó de Pontier decidido a iniciar su etapa de solista. Convocó, entonces, al bandoneonista Leopoldo Federico para que organizara su orquesta acompañante. Con ella comenzó a grabar para el mismo sello en que lo hacía con Pontier, Columbia, en 1961, cuando ya estaba firmemente emplazado en el gusto popular.

El periodista Ricardo Gaspari, titular del departamento de prensa y promoción de la grabadora, lo bautizó “El varón del Tango” y de igual modo tituló a su primer larga duración. Todo parecía marchar viento en popa. Sólo había un inconveniente, enfrentarse al poderoso auge de la denominada “Nueva 0la”, el show business de turno, con el que se venían cercenando nuestras raíces culturales en la juventud de la época. Pese al riesgo que ello parecía representar, Sosa logró una venta de discos impensable para un intérprete tanguero de aquellos días y tan abultada como la de cualquier cantante “nuevaolero”.

Ese enfrentamiento con la “Nueva 0la” se representó a la perfección en la escena que protagonizó para la película “Buenas noches, Buenos Aires” (1964), en la que entonó y bailó con Beba Bidart El firulete, ante unos jóvenes “twisteros” que terminaban por pasarse a los cortes y quebradas.

La realidad no estaba lejos; Sosa logró que una juventud volviera a la música que le pertenecía.

Al margen del tango y la poesía, Sosa tuvo otra pasión los automóviles. Fue propietario de un Isetta, un De Carlo 700 y un DKW modelo Fissore; con los tres terminó por chocar, debido a su gusto desmedido por la velocidad. El tercero resultó fatal. Durante la madrugada del 25 de noviembre de 1964, se llevó por delante una baliza luminosa en la esquina de la avenida Figueroa Alcorta y Mariscal Castilla (Buenos Aires).

Fue internado en el Hospital Fernández y luego trasladado al Anchorena, en el que dejó de existir el día 26 a las 9:30. Sus restos comenzaron a ser velados en el Salón La Argentina y el exceso de público obligó a continuar el velatorio en el Luna Park (legendario estadio de box con capacidad para 25.000 personar). El 24 había cantado por radio su último tango, La gayola. El final parecía profético “pa” que no me falten flores cuando esté dentro “el cajón”.

Julio Sosa fue el último cantor de tango que convocó multitudes. Y en ello, poco importó que casi la mitad de su repertorio fuera idéntico al de Carlos Gardel, aunque también es cierto que interpretó algunos títulos contemporáneos. Como dice el investigador Maximiliano Palombo, fue una de las voces más importantes que tuvo el tango en la segunda mitad de los años cincuenta y principios de los sesenta, época en que la música porteña pasaba por un momento no demasiado feliz”. Posteriormente, dada su temprana muerte, se intentó repetir con él el mito Gardel, pero Sosa no era Gardel la extroversión y la carencia de ternura de su voz lo alejaban del paradigma del cantor de tangos. Por otra parte, al perderse su imagen, desaparecieron sus condiciones actorales, tan unidas al sentido de lo que cantaba.

De todas maneras, quedó su recuerdo, sobre todo en la generación que lo vio surgir y en las posteriores, como una de las más reconocibles e insoslayables figuras de la historia del tango.

A comienzos de la década de 1930, comienza a trabajar en el mismo puesto de trabajo que ocupara su padre en la bodega Giol, viviendo en la casa de Diego Manuel Benítez, quien adoptaría el nombre artístico de Diego Canale, y con quien formó él Dúo Tormo-Canales para cantar en fiestas familiares, obteniendo un contrato en LV10, Radio de Cuyo, sin dejar de trabajar en la bodega. En 1934, ambos se trasladaron a San Juan, para trabajar en la bodega El Globo, actuando simultáneamente en Radio Graffigna (LV1).

En 1937 el dúo se traslada a Buenos Aires donde conocen a Buenaventura Luna, aún conocido con su nombre de nacimiento Eusebio de Jesús Dojorti, con quien integran el grupo La Tropilla de Huachi Pampa, junto también a Remberto Narváez, José Samuel Báez y el Zarco Alejo (José Castorina). El 1 de octubre de 1937 debutaron en Radio El Mundo de Buenos Aires, abriendo camino a la difusión masiva de la música folklórica, éxito que llevó a la emisora a poner en el aire en 1939, “El Fogón de los Arrieros”, conducido por Buenaventura Luna y con la actuación del conjunto y con el auspicio de cigarrillos Caravana.

En 1942 la La Tropilla Huachi Pampa se separa y Tormo vuelve a radicarse en Mendoza con la intención de dejar el canto profesional. En 1945 se casó con Elena Casella y comenzó a actuar en Radio Aconcagua, con gran éxito de público y audiencia. En 1947 retorna a Buenos Aires, donde es contratado primero por Radio Splendid y luego por Radio Belgrano. Ese mismo año grabó varios simples en RCA Víctor, el primero de los cuales fue “El Jarillero” y “Ay que se va”.[3] Incluido en esa serie inicial de discos sencillos, el vals “Cuando no me quieras”, tuvo gran difusión en Colombia, constituyéndose en el primer éxito de Tormo.

En 1949 grabó “Los ejes de mi carreta” de Atahualpa Yupanqui y “Amémonos”, y éste último se convirtió en un gran suceso, vendiendo más de un millón de unidades. Sus discos comenzaron a tener una importante difusión también en Uruguay y, sobre todo Chile, adonde viajó ese mismo año, alcanzando el primer puesto de ventas con su simple “Mis Harapos” y “Mama vieja”.

En 1950 grabó “El rancho ‘e la Cambicha”, que vendió 5 millones de copias, convirtiéndose en el disco más vendido de la historia argentina y que dio inicio al llamado boom del folklore.

Desde entonces Tormo comenzó a ser llamado el cantor de los cabecitas, en referencia a los cabecitas negras, apodo despectivo que utilizaban las clases medias y altas de Buenos Aires para designar a los migrantes provenientes de las provincias, que se trasladan masivamente a la capital del país para trabajar en las fábricas. El éxito de Antonio Tormo fue tal que a los migrantes internos de extracción popular los llamaban también “veinte y veinte”, aludiendo al hecho de que cuando entraban a los almacenes en los que había pasadiscos gastaban veinte centavos en una pizza y otros veinte para oir discos de Tormo.

En 1955, cuando era el cantante más popular del país, sería prohibido por la dictadura militar autodenominada Revolución Libertadora. A partir de entonces, una censura más o menos directa se impuso sobre las grabaciones de Antonio Tormo durante casi 30 años. Con la recuperación de la democracia en 1983, cesó toda censura sobre Tormo, siendo reivindicado.

En 1993, en ocasión de cumplir 80 años, recibió una gran cantidad de reconocimientos como su designación como Ciudadano Ilustre de la Ciudad de San Juan; Benefactor de la Cultura y Tradición Sanjuanina, por el Congreso de esa provincia; la designación de una calle con su nombre en la Ciudad de Panquehua (Mendoza); el Premio ACE por su vigencia; y finalmente, la Medalla y Diploma de Honor en homenaje a su vasta trayectoria, entregada la Cámara de Senadores de la Nación.

Desde entonces los premios y reconocimientos se multiplicaron. Falleció a los 90 años, el 15 de noviembre de 2003.

Las esquinas de las calles Bernardo de Irigoyen y Humberto Primo, hacían de eco, para las melodías de tangos que José silbaba con gran entusiasmo.

El niño había perdido a su familia y era adoptado por una mujer llamada Rosa, que fue su madre de adopción, Doña Rosa, le borró al pequeño, el resentimiento que le pudo haber nacido por la fatalidad de haber perdido a sus padres y le brindó una niñez feliz.

A los doce años comienza a trabajar en una fábrica de carteras para ayudar a su humilde familia, mientras buscaba sentarse frente a las casas donde se escuchaba la voz de Carlos Gardel.

Su ferviente deseo de cantar, lo lleva a recorrer cantinas, hasta que su amigo Norberto Aroldi, le consigue una prueba con el maestro Mariano Mores, en el año 1961. Con una orquesta de cuarenta músicos, Mores lo aprueba y lo contrata y así comienzan sus triunfos con el nombre artístico Néstor Fabián.

La popularidad y el tango

El día 30 de Agosto de 1961, debuta en televisión, en canal 7, en el programa LUCES DE BUENOS AIRES, Néstor interpreta el bolero La noche de mi amor, acompañado por Mariano Mores con gran aceptación del público y logra un primer impacto televisivo en el programa “El Show de CAP”, donde ya canta como vocalista de Mariano Mores.

Néstor debuta en teatro, en importantes comedias musicales como: “Buenos Aires de seda y percal” y “Buenas Noches, Buenos Aires”, que se estrenaba en el teatro Astral, junto al mismo Mores, Virginia Luque y Susy Leiva.

Fabián comienza a grabar discos, en la empresa Odeón, su voz gusta, su estilo también y el público comienza a quererlo.

Su primer grabación fue Tan sólo un loco amor, acompañado por Mariano Mores y su orquesta.

A partir del año 1964, su fama crece sin parar, la televisión lo reclama para transformarlo también en galán y actor, así se une a programas juveniles de la nueva ola argentina, donde las interpretaciones logran en su voz, la más recia tonalidad para hacerla brillar en el tango, acompañando su figura del porteño simpático y entrador.

Néstor deja la compañía de Mariano Mores, para unir sus canciones a la llamada nueva ola argentina. Los directivos de canal 9, que lideraba el Sr. Alejandro Romay, convocan al joven cantante para que integre el programa “Sábados Continuados”, conducido por Antonio Carrizo.

En Enero de 1964, la popular cantante Violeta Rivas, necesitaba un galán para una telecomedia veraniega y Romay, contrata a Néstor para su primer protagónico para la televisión, en un éxito titulado “Todo es Amor”.

El profesional y el artista

En el mes de Marzo de 1967, Néstor Fabián se casa con Violeta Rivas.

Su unión matrimonial, provoca un verdadero acontecimiento social, donde la popularidad estallaba en el público ferviente.

La llegada de su hija Analía, completa la dicha familiar.

Néstor recorre escenarios del país y de varias partes del mundo.

El éxito no lo abandona nunca y graba un amplio repertorio de tangos con las orquestas más importantes. Recibe distinciones, protagoniza comedias musicales y especiales para televisión.

Su disco más vendido fue “Charada”, un vals que popularizó el cine internacional y que Néstor impuso en el gusto popular…

El cine no se hace esperar con títulos como:  Buenas Noches, Buenos Aires (1964), producida y dirigida
por Hugo del Carril, con Mariano Mores, Violeta Rivas, Virginia Luque, Julio Sosa, Susy Leiva, Anibal Troilo, y otros grandes de la música.

Viaje de una noche de verano (1965), dirigida por René Mujica,entre otros directores y un elenco encabezado por: Claudia, Tato Bores,Juan Ramón, Ramona Galarza, Chico Novarro y Luis Sandrini entre otros…

Los muchachos de antes no usaban gomina (1969), dirigida por Enrique Carreras, con Rodolfo Bebán, Susana Campos, Osvaldo Miranda, Carlos Estrada, Nora Cárpena, etc… Néstor interpreta el tango “Tiempos Viejos”, en un momento importante de la película.

Viva la vida (1969), dirigida por Enrique Carreras, con Palito Ortega, Violeta Rivas, Tita Merello, Hugo del Carril, Mercedes Carreras; Juan Carlos Dual y otros famosos…

Pasión dominguera (1970), dirigida por Emilio Ariño, con Jorge Porcel, Luis Tasca, Perla Caron, Fidel Pintos etc…

Balada para un mochilero (1971), dirigida por Carlos Rinaldi, con: José Marrone, Mariángeles, Arnaldo André y Los Iracundos, entre otros…

Néstor interpreta las canciones principales de famosos teleteatros escritos por Abel Santa Cruz, como Me llaman gorrión, protagonizado por Beatriz Taibo y Malevo con Rodolfo Bebán y Gabriela Gili. Más tarde,es convocado para interpretar el tema del teleteatro Tengo calle.

En la década del setenta, es artista exclusivo del sello discográfico Microfón.

En el año 1974, viaja a Rusia con gran suceso acompañado por Atilio Stampone.

Fabián se declara un fanático de las motos, del tango y de Boca Juniors.

En 1988, Néstor es especialmente invitado a cantar en España, más precisamente en Granada, junto a la orquesta de Osvaldo Requena, desde allí parte a Portugal, para cantar en Lisboa, como representante de nuestro tango.

EL hombre, el amigo, el porteño

Néstor, hoy, sigue deleitando a un público de todas las edades, dejando un eco imborrable en cada escenario, donde interpreta como nadie, tangos como: “El último round”, “Tinta roja”, “Cordón”, “El último café”, “Contame una historia”, “Los Mareados”, “Sur”…

Néstor Fabián, es tal vez, una de las personas más queridas por sus compañeros y amigos, por su lealtad
y su calidad humana, él hace de la sencillez y de la
generosidad una conducta de vida.

Desde el Abasto hasta Madrid y desde la Boca, hasta su pequeña nieta Zoe, no deja rincones vacíos,los llena con su performance artística y su sentido humano, para scribir
varias páginas en la historia musical y en las del corazón…