Archivo para la categoría ‘Pintura’

26
sep

Diego Velázquez

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Diego Velázquez fue el pintor barroco español más importante del grupo porque trató con igual excelencia todos los géneros: religiosos, mitológicos, retratos, históricos, paisajes, bodegones, etc. Además de ser, indiscutiblemente, uno de los mejores artistas de todos los tiempos.

Velázquez nace en 1599 en Sevilla y muere en Madrid en 1660, realizando sus obras en la primera mitad del siglo XVII. En España todavía continúa reinando la Casa de los Austrias. De hecho, Velázquez será pintor de cámara de Felipe IV.

Se trata de una época en la que el estilo artístico que reina es el Barroco, que ha llegado a España desde Italia.

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12
sep

Pablo Picasso

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Pablo Picasso (Málaga 1881- Mougins 1973). Pintor español, estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde consiguió un dominio completo del estilo académico de la época.

En 1900, Picasso hace su primera visita a París, acompañado de otro pintor español, Casagemas.

El suicidio de éste le inspiró buena parte de las obras conocidas como del período azul, con el que Picasso se declara artista independiente de los academicismos.

Instalado definitivamente en París en 1904, Picasso conoce a Apollinaire, al comerciante de arte Ambroise Vollard y a la que sería su amante, Fernande Olivier.

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3
jul

Diego Rivera

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Considerado como el máximo representante de la Escuela Mural Mexicana, Diego Rivera realizó una obra monumental, tanto en cantidad como en volumen. Su brillante personalidad, su gusto por la polémica, además de su talento como pintor; lo volvieron un personaje reconocido en el panorama cultural y político del México de los veinte a los cincuenta.

Diego Rivera nació en Guanajuato, en 1886. A los pocos años, viajó con su familia a la ciudad de México. Ingresó precozmente en la Escuela Nacional de Bellas Artes (antigua Academia de San Carlos) donde obtuvo una sólida formación como dibujante y pintor.

Fue discípulo de José María Velazco. Las primeras obras expuestas de Rivera, en los albores de este siglo, están profundamente marcadas por las enseñanzas del paisajista.

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2
jul

Frida Kahlo

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(Coyoacán, México, 1907-id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.

A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. Contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera, tuvo un aborto (1932) que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. También son muy apreciados sus autorretratos, así mismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos, Las dos Fridas.

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17
oct

Salvador Dalí

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Salvador Dalí sigue siendo para los no iniciados el representante, la encarnación misma del surrealismo, y comparte con Pablo Picasso el privilegio de ser el más “conocido” personaje de arte de nuestro tiempo. Para esos muchos surrealismo es un término raro que sólo se entiende si se lo traduce por la palabra escándalo o, mejor aún, locura.

Y es que son relativamente muy pocos los que saben, si se exceptúa esa “inmensa minoría” a la que invocaba Juan Ramón Jiménez, hasta que punto se lo discute a Dalí entre los verdaderamente iniciados, tanto por su condición de pintor como por el carácter surrealista de su pintura. El contribuyó más que nadie a esa imagen “popular” sentenciando “el surrealismo soy yo” o yendo a la Oficina de Marcas y Patentes de Nueva York para registrar a su nombre a la Pintura, buscando siempre la más amplia difusión para infinidad de gestos, posturas y afirmaciones similares, administrando el escándalo en beneficio de su imagen y de su cuenta corriente.

Con incomparable eficacia. Tanta que sus enemigos surrealistas – que fueran sus amigos en al primera etapa de su “carrera” artístico-financiera – afirmaron que no era un pintor sino una empresa de publicidad.

Católico sin Dios, monárquico sin linaje, anárquico sin rebeldía, lleva en las guías de sus bigotes de vidriera el radar que anuncia la presencia de las cajas registradoras. El surrealismo sigue en su lugar: la morgue, la revolución, la locura, el amor, la desesperación, la fe. El, desgajado, caído del árbol de la sabiduría y del heroísmo, se instaló en la cosmética, en la decoración con sustos ya caducos.

Toda su obra es una continua escenografía en la que siempre una arenita de playa tiene más sombra que entidad.

Nunca tan poco pintor hizo tanto para divertir, para tranquilizar a tantos. Y para convertir en distorsionada fotografía mecánica el fulgor revolucionario del surrealismo: fue el único, en pleno período surrealista, que dijo: “La pintura es la fotografía en color, al pincel” Y eso, en verdad, es su pintura, expresión gráfica de una sociedad alienada, enferma y conforme con su enfermedad.

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15
oct

Miguel Ángel Buonarroti

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Protagonista de primera magnitud, Miguel Ángel dominó con su arte casi un siglo entero, viviendo y situándose en el centro y, luego de su muerte, abriendo y sugiriendo las perspectivas del arte barroco y moderno. Nacido un año después que Ludovico Ariosto – en 1475 – y muerto el mismo año del nacimiento de Galileo Galilei, en 1564, su vida como expresión artística – en pintura, en escultura y también en poesía – hacen de él un espejo extraordinariamente nítido de su época, uno de sus personajes más notables. Desde sus primeros trabajos, Miguel Ángel signó su búsqueda con grandezas extraordinarias y con nítido lenguaje: sin contrastes, sin inseguridades.

Es la valorización primera de su quehacer que se desarrolla sin malentendidos y sin caídas y con el cual abre en modo sumamente original el discurso de su época sobre el hombre, dando vida al más excepcional testimonio espiritual y terreno que se posea en el campo de la expresión de uno de los siglos más dramáticos de la historia de Italia,

A lo largo de la vida de este artista – tal vez uno de los más grandes de todas las épocas – dio carácter a forma con su alta producción a su siglo y, sobre todo lo hizo en aquel aspecto de su expresión generalmente menos exaltado, es decir en la arquitectura a la que recientes estudio ha elevado a la categoría de protagonista propiamente dicha, también por se más perceptible por todos y condicionadora de una realidad que daba nuevo rostro al vivir cotidiano civil y religioso.

Con la arquitectura, más que con la pintura y la escultura, Miguel Ángel realmente signa al siglo con su genio, expresando a través de una visión dramática de los espacios, aquel concepto de universalidad clásica y de aspiración espiritual cristiana que se instituyen como las dos mayores componentes de la cultura y del alma del artista.

Es una especie de “vocación” espacial: y de ella descienden y a ella retornan las arduas y completas proposiciones de su arquitectura. Tal vocación ha sido interpretada por la crítica más moderna, también en el sentido urbanístico, casi como el signo revelador y anticipador de toda una nueva ciencia de las ciudades que con el rostro inconfundible de un gran siglo, se ha proyectado también a los siglos futuros.

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15
oct

Pablo Picasso

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Picasso dominó más de medio siglo la escena del arte contemporáneo.

Artista siempre profundamente comprometido con la historia de su tiempo, fue un auténtico “protagonista”, justamente porque es imposible confinar su personalidad al ámbito de la pura experiencia artística, ya que toda su larga e intensa actividad estuvo llena de hechos y elecciones de crónica y de historia.

Su actitud coincidió con la historia de la rebelión de los intelectuales europeos desde fines del siglo XIX y comienzos del siglo XX, contra los vicios y la hipocresía de una sociedad llegada a su fase involutiva.

Pero si bien el primitivismo elemental de Picasso fue producto de la misma causa, mediante este camino – y a diferencia de otros artistas – él trató de descubrir su verdadera naturaleza y expresarse sin sufrir el freno de convencionalismos e inhibiciones, en el sentido de la más completa libertad para sí mismo.

No se trata, evidentemente, de un pintor “puro”; por el contrario, Picasso es un artista profundamente sumergido en su contorno, que ha registrado todas las contradicciones de nuestro tiempo y de manera nada pasiva. En eso reside su grandeza: en ser un testimonio – en el mundo del arte – de lo que en nuestro tiempo hay de antihumano, además de todo otro sentimiento libre y generoso. Y todo ello sin convertirse en juez ni moralista.

“Parece haber descubierto de repente los secretos de la pintura, desgarrando el filtro que la separaba de nuestra actualidad y haciendo así de ella, para todos nosotros, algo insustituible, angustiante y esclarecedor”

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14
oct

Vincent Van Gogh

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“El arte es el hombre unido a la naturaleza. Pintar la vida de los campesinos es una cosa seria y me sentiría culpable si no tratase de crear cuadros que inspiren pensamientos serios a quien piensa seriamente en el arte y en la vida”

Estas palabras de Van Gogh expresan un principio de fidelidad a lo real, no una actitud arbitraria para alejarse de este y constituyen el núcleo y la base de la autenticidad de su inspiración a la que adecua su lenguaje figurativo.

Por cierto, estos son también los supuestos del realismo, pero nadie como Van Gogh los llevó tan lejos y de un modo tan desprejuiciado.

El gran pintor holandés, con su tendencia a forzar el lenguaje, abrió por su cuenta, aislado, el camino que tiende a traducir todo elemento de la representación en elemento impregnado psicológicamente de emoción, de fuerza interior para que surja por entero la verdad escondida.

Formado en los ideales del siglo XIX y en los sentimientos del primer socialismo impregnado de ideas mesiánicas, Van Gogh trató – en un momento de crisis decisiva de esos valores – , de reparar por sí solo y a fuerza de amor, el hundimiento de esa sociedad.

Lo intentó con su vida, compendio de caridad evangélica y socialismo humanitario, y también con su arte, sobre todo a través del color que se convierte en sus manos en una violenta metáfora, cargado de esa pasión subjetiva que se transformará en un dato fundamental de la inquietud expresiva moderna. Pero el arte y la vida de Van Gogh no son solamente una señal de alarma que resuena en plena euforia de progreso: su apasionado llamado al hombre, aunque sea desde el interior de su visión utópica, sigue siendo un motivo inalterable y decisivo. La energía y la expresión de los sentimientos, el ardor de la vida y la comunión con los otros: he aquí lo que Van Gogh nos enseñó y continúa enseñándonos porque sus cuadros no son pruebas de verdad. Con sus colores, con sus ritmos vivaces, nos repite una lección de identidad; una lección que, después de él nos ha obligado a mirar la pintura con otros ojos.

Nació en Grand-Zunder (Holanda) el 30 de marzo de 1853. Se suicidó 37 años después, el 29 de julio de 1890, en Auvers (Francia).

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13
oct

Leonardo Da Vinci

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El genio de Leonardo de Vinci -artista prodigioso, ingeniero profético- proporciona una de las mejores ilustraciones de la mentalidad renacentista, creadora infatigable de modelos y de esquemas a través de los cuales se esboza ya el rostro del nuevo mundo técnico e industrial.

Como sus contemporáneos, Leonardo no se contenta con profesiones de fe: aborda resueltamente el dominio de las realizaciones con el entusiasmo de toda experiencia en sus comienzos. Y puesto que, de algún modo, como hombre del Renacimiento, él es el objeto de su más alta ambición, quiere hacerse a sí mismo mediante la comprensión universal de todas las cosas y de su propia naturaleza. De allí la aspiración a transformarse en una enciclopedia viviente, su curiosidad alerta, su permanente búsqueda de nuevos campos del conocimiento y de la expresión.

Empresa digna de Prometeo y que no conoció el éxito en la medida de sus esperanzas, porque, aunque contenidos, los mitos antiguos todavía permanecen en la conciencia y el sabio de la época -Leonardo inclusive- no ha franqueado, como supone, las tradiciones, prejuicios y supersticiones. Resulta difícil hoy hacer justicia a las formas del pensamiento y del saber del Renacimiento, en tanto sus categorías no son las del discurso racionalista. Es preciso aceptar que estamos ante el límite de dos mundos intelectuales, ante un momento de “ambigüedades” en que los antiguos sistemas no han desaparecido del todo y una sociedad nueva pugna por nacer.

Embriagado por una libertad recién descubierta, el hombre hace de la curiosidad su virtud central, pero le faltan los medios indispensables para ponerla en funcionamiento y, antes que nada un lenguaje y un método. De allí que su audacia no sea jamás total y sus descubrimientos, aún los más proféticos, deban esperar todavía largo tiempo una justificación positiva, hasta el momento en que se cuente con una nueva evaluación de la condición humana.

Estas palabras valen para toda la época y para Leonardo en particular, que fue uno de sus representantes típicos, y encuentran su mejor expresión en las reflexiones de Vasari, donde pone en descubierto la falla secreta: “Verdaderamente admirable y celeste fue Leonardo… hubiera avanzado muy lejos… si no hubiese sido tan cambiante y variable; pues se ocupó de aprender demasiadas cosas que, apenas iniciadas, dejaba abandonadas… pero jamás dejó de dibujar y modelar y parecería que fue justamente su gran inteligencia para el arte la causa de que, habiendo comenzado tantas cosas, no haya terminado ninguna. Creía que su mano jamás podría alcanzar la perfección del arte…”.

Leonardo nació en Anchiano, comuna de Vinci (Italia) en 1452 y murió en Cloux (Francia) en 1519.

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